ヘイターたち

ヘイターたち
日本のヘイター 1999
背景情報
ジャンル	ノイズ 実験 パフォーマンスアート
活動年数	1979年～現在
メンバー	GX ジュピター・ラーセン、ジェシカ・キング、パメラ・デュラン、エルデン・M
Webサイト	ジュピター・ラーセン

ヘイターズは、アメリカ合衆国のノイズ音楽とコンセプチュアルアートの一団である。1979年に結成され、現代のノイズシーンの最も初期のグループの一つである。このグループは主に、カリフォルニア州ハリウッドを拠点とするミュージシャン、アーティスト、作家、映画製作者のGX・ジュピター・ラーセンの作品であり、ヘイターズのパフォーマンスが行われる町の地元の実験音楽家やアーティストなど、常に変化する他の「メンバー」のラインナップが伴う。^{[1] [2]}

このグループは、ジュピター・ラーセンが構造化された音楽よりも騒音を立てて会場を破壊することに興味があることに気づいたことから始まった。^{[3]すぐにヘイターズは、}メルツバウ、マウリツィオ・ビアンキ、ニュー・ブロッカダーズなど、 ノイズミュージックシーンとして知られるようになる志を同じくするアーティストたちとコンタクトを確立した。 1970年代後半、GXジュピター・ラーセンはパンクシーンを終えた。当初、1979年のニューヨークでは、^[4]彼が探していた種類のノイズは耳で聞こえるものではなく、ある種の社会学的伝達を通じて聞こえるものだった。音のフィードバックではなく社会的歪みが、彼の個人的なポストパンクの使命だった。

ヘイターズの最初のパフォーマンスでは、意図的に音を使うことはなかった。たとえ音があったとしても、音声は二次的なものだった。当時のヘイターズのパフォーマンスは単純な動作だった。ビデオカメラでビデオカセットを叩いたり、床にほこりがたまるのを見たり、道端のゴミ箱を数えたりするようなイベントだった。^[2]

ヘイターズがライブパフォーマンスで音を使い始めたのは、2つの必要性があったからである。1つはステージカーテンの必要性、そしてもう1つは時間を把握する必要性である。^[2]

伝統的に、舞台の幕が開くとパフォーマンスの始まりを告げ、幕が閉まると終わりを告げる。彼らがパフォーマンスする場所のほとんどにそのような幕がなかったため、ヘイターズはこの機能を再現できる何か他のものを考案する必要があった。ヘイターズはテープに録音した音を使い始めた。突然のノイズで観客全員にパフォーマンスが始まったことを知らせた。同様に、サウンドトラックが突然終わることで間違いなくフィナーレを告げた。^[5]

ヘイターズのパフォーマンスは、通常、ジュピター・ラーセンともう1人の演者で構成され、両者ともマスクを着用し、さまざまな機械を使用して非常に大きな音を作り出し、その音は歪んで増幅され、事実上認識できないほどになる。^[3] ヘイターズの多くのCDやレコードのリリースは、通常、これらのパフォーマンスを録音したものである。ヘイターズの作品の根底には、ジュピター・ラーセンの美的および概念的な執着、特にエントロピーと減衰、プロレス、そして主に「ポリウェーブ」、「トーティモルファス」、「キシロウェーブ」などの個人的な測定単位からなる独自の語彙の奇妙な組み合わせがある。^[3]

ヘイターズの作品の中心的な側面は、彼らが作り出す音は音楽ではないということである。これはノイズアーティストの間では頻繁に繰り返される考えであり、純粋なハーシュノイズをノイズロックなどの音楽関連のジャンルと区別するためだけであるが、ヘイターズはこの考えを他のほとんどのアーティストよりもはるかに文字通りに受け止めている。彼らが作り出す音は楽器やオーディオ機器ではなく、粉砕、衝突、その他の破壊行為などの物理的なプロセスによって作られる。同時に、グループの作品には常に顕著で、しばしば不条理な概念的要素がある。 ^[6]

ヘイターズの後期のパフォーマンスの多くは、観客全員が内部の扇動者に率いられ、実際に会場全体を台無しにしたり破壊したりするものでした。^[3]経営者は必ずしも事前に振り付けを知らされていませんでした。これらはヘイターズがエントロピーの祭典と呼んだものでした。観客はパフォーマーと同じくらい実際のパフォーマンスの一部でした。事前に何の条件付けもされていないにもかかわらず、サウンドトラックが止まるとすぐに観客全員が騒ぎを止めました。観客が20人であろうと200人であろうと違いはありませんでした。音が止まると、行動も止まりました。

また、サウンドトラックの両端を舞台幕の動きとして利用することは、明らかにその後の用途がある。つまり、録音用のテープの長さを選択することで、パフォーマンスの長さを事前に決定できるのだ。^[7]

当初、ザ・ヘイターズは、テープの音が一定であれば、どんな音でも気にしなかった。それ以外は、何年もステージ上の音に関心がなかった。これは、彼らが音にまったく興味がなかったという意味ではない。実際、ザ・ヘイターズがスタジオにいるときはいつでも、彼らは常に音のあらゆる側面に細心の注意を払っていた。レコードやCDのリリースとライブパフォーマンスは2つの異なるものであり、一方が他方に似ていなければならない理由はまったくなかった。^[2]

例外はいくつかあり、1980年代後半から90年代前半にかけて、コンセプトに基づいた「アンチレコード」がいくつかリリースされた。1988年の最初の作品はWind Licked Dirtと題され、未カットのビニールLPレコードがカバーに収められており、レコードを「再生」するための小石がたくさん詰め込まれていた。後のエディションは「CD」（空のディスクを巻いた透明な保護ディスク）付きで、現在は「C-0カセット」として販売されている。2番目の作品はOxygen is Flammableと題され、小さな箱に詰められた壊れたプラスチック片だった。同封されていた説明書によると、プラスチック片はレコードであり、水をかけて再生するとのこと。説明書には、水が落ちる音と火が上がる音が似ている可能性にも注意するよう書かれていた。3番目の作品Shearは、小さな箱に詰められた綿わたのボールだった。中身の周りには 3 枚の薄い紙片に書かれた説明書が巻かれており、綿わたは圧縮して再生する録音物であることを所有者に知らせている。この「レコード」が発する音を、ラーセンは「鋭くふわふわした軽やかさ」と「薄くふわふわした圧縮音」と表現している。これら 3 つのリリースは、それ自体が一種のパフォーマンス作品である。1983 年に自主リリースされた 7 インチ シングルも同じ原理で作られており、2 つの空白の溝で構成され、「スクラッチしてこのレコードを完成させる」という説明書が付いていた。^[8]

ヘイターズは、事前に録音した音にライブサウンドを組み込む実験を何度か行ったが、101回目の公演までは、これは決して彼らにとって優先度の高いことではなかった。そこで、ライブサウンドは彼らの劇場の中心的な要素となった。1990年6月10日のサンフランシスコでは、出演者がそれぞれ電卓を非常に粗いサンドペーパーにこすりつけるというパフォーマンスが行われた。これも単純な動作だが、今回はコンタクトマイクが小道具に取り付けられていた。こすりつける音は増幅されていた。^[2]

舞台上のザ・ヘイターズにとって、サウンドは最終的に決定的な要素となった。なぜなら、GX・ジュピター・ラーセンは物語を語りたかったのであり、その物語にはサウンドが必要だったからだ。この物語はロス・レシモルウェイトという人物についての物語だった。レシモルウェイトは数学者で、彼の心の平穏はかつて、計算機を紙やすりでこすった音によく似ていると言われていた。崩壊による計算は「数字の摩耗から生じる美しさ」を意味している。このように強く聞こえる理想には、同じように聞こえる媒体が必要だった。^[9]

ヘイターズは、この曲を「考えるロス」と名付け、その後何年にもわたってさまざまな都市で何度も演奏した。

144 回目の公演では、チューリッヒで増幅された電動ドリルを使用して、大きな木製の物体をおがくずに変えました。この作品は「Building Empty Holes」と呼ばれていましたが、それでも、その動作自体が、それに含まれる音よりも重要でした。

1991 年 12 月 28 日、ニューヨークで 155 回目の公演を行なったとき、彼らは次の大きなオーディオ フェチを見つけました。ヘイターズはそれを「クリチ クリク」と呼びました。これは、増幅用のコンタクト マイクを取り付けた手持ちの穴あけパンチです。彼らはその後 10 年間、この動作を何度も繰り返し行いました。

1992 年 10 月 30 日、パリでの 174 回目の公演で、ザ・ヘイターズはライブ マイクをパワー グラインダーにゆっくりと押し込んで、ゆっくりと削り落としました。GX は多くのインタビューで「浸食は虚空への浸透です。浸食は、固体が虚空を真に浸透できる唯一の方法です」と語っています。観客は歓声を上げました。この動作は、ザ・ヘイターズが長年繰り返し使用するもう 1 つのモチーフとなりました。

1990 年代、The Haters は増幅装置を使用してさまざまな反復テクニックを開発しました。The Haters がライブ サウンドをパフォーマンスに取り入れ始めた唯一の理由は、行われているアクションを再度強調するためでした。サウンド自体が目的だったわけではありません。ここでは直線的な進行はありません。動詞も頻繁にありません。テーマとテクニックは前後に重なり合いますが、全体としてパフォーマンスは大きくなっていきました。1995 年までに、The Haters は録音済みのサウンドトラックの使用を完全にやめました。今では、いくつかの劇場用デバイスのいずれかをステージのカーテンとして使用しています。

音は物語を表現する手段となった。例えば、2000 年から 2002 年にかけて、GX ジュピター ラーセンは、小さな卓上扇風機の開いたグリルの上に増幅された計算機を載せていた。これは、数学者ロス レシモルウェイトが開いた窓のそばに座り、計算をしながら顔に当たる風を感じるというイメージを舞台に表現する彼のやり方だった。この作品は「Dirwyn」と題されていた。音と動作は同じだった。

ザ・ヘイターズがパフォーマンスで音を使う上で最も波乱に富んだ時期は、一般的な道具を増幅する代わりに、ノイズを出すためだけに作られた独自のカスタム機器を作り始めたときだった。1990年代後半までに、ザ・ヘイターズは音そのものとその音の作り方の対比という考えに夢中になった。^[10]

レスリングは彼らにとって常にインスピレーションの源でした。レスリングは不条理劇の最も純粋な形であり、ステレオタイプが認識できないほど誇張された非対立的な暴力の1つです。^[3]

1999 年初頭の初公開以来、GX の Untitled Title Belt はステージでもスタジオでもメインのサウンド ソースとなっています。このベルトを見ただけでは、この機器がマイク、ディストーション ペダル、ノイズ ジェネレーターの組み合わせであることは必ずしもわかりません。このベルトは、伝統的なレスリングのチャンピオンシップ ベルトを模して作られました。

おそらく、The Haters の唯一の完全に音をベースとしたプロジェクトは、GX が 2003 年に始めた作品です。この作品「Audiothecary」では、増幅された天秤が、音の重さを測るためのパフォーマンス ベースのユーティリティとして使用されています。天秤のビームと両端の 2 つのパンはすべて、1 つの大きなマイクとして機能するように配線されています。軽く触れるだけでも、息を吹きかけるだけでも、非常に大きなノイズが発生します。^[11]

ヘイターズの最新のパフォーマンス「Loud Luggage / Booming Baggage」は2010年に初演され、増幅されたスーツケースを操作し、スーツケースが壊れるまで揺らしたり叩いたりする。

• トティモルフォス（1992）
• ブランクバナー（1993）
• 風が土をなめた(1993)
• アーバン・センシティビティ（1994）
• どこにもいない普通の場所（1995）
• マインド・ザ・ギャップ（1996）
• 酔いどれオヤジ(1997)
• ヒアリング・マッド・ドライ（1997）
• 三つの現象（1997）
• 災厄の栽培（1997）
• ヘイターズ・ボイス・オブ・ビクトリー（1998）
• ザ・ヘイターズ、特にスキャナー（スキャナーと共演）（1999）
• サバイバル・リサーチ・ラボラトリーズ（マーク・ポーリンと共著）（2001）
• 死を恐れぬ病（2002）
• 無題タイトルショット（2002）
• ヘイターズ 25周年記念(2004)
• ゼロは旅路(ニュー・ブロッカダーズと共演) (2004)
• バンジャックス （アラン・ゼインと共演）（2005）
• メルツバウ＆ザ・ヘイターズ（メルツバウと共演）（2006）
• さらに（2008）
• ザ・ヘイターズ、イン・ザ・シェイド・オブ・ファイア（2009）

• GX ジュピター・ラーセン公式サイト
• GX ジュピター・ラーセンのノイズ小説
• Discogs.com の The Haters
• ラッド・フリス・ミュージック
• ザ・ヘイターズ ライブ・アット・ザ・グローブ 1988 - ビデオ
• ビッグミックスアップ - ヘイターズビデオ