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スダルシャン・シェッティ | |
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| 生まれる | 1961年（62～63歳） マンガロール、インド |
| 国籍 | インド人 |
| 職業 | アーティスト |
スダルシャン・シェッティ（1961年生まれ）は、絵画、彫刻、インスタレーション、ビデオ、サウンド、パフォーマンスの分野で活動するインドの現代アーティストです。インド国内で広く展示を行っており、最近では現代アートの重要な声として国際舞台でもますます注目を集めています。作品は、福岡アジア美術館（日本）やテート・モダン（イギリス）で展示されています。[要出典]アーティストは、米国ピッツバーグのマットレス・ファクトリーに滞在、ニューヨークのニュースクール・フォー・ジェネラル・スタディーズでフォード財団フェローを務めました。[1]
1999年、彼は南条史生氏がキュレーションした博多リヴェレインアートプロジェクトの一環として、日本の福岡で公共彫刻（Home and Away）の制作を依頼された唯一のインド人アーティストでした。
シェッティの個展には、「地球が奪ったかけら」ギャラリー・クリンツィンガー（ウィーン、2012年）、「listen outside this house」ギャラリー・ダニエル・テンプロン（バンガロール、2011年）、「Between the tea cup and a sinking constellation」ギャラリー・ダニエル・テンプロン（パリ、2011年）、「this too shall pass」ドクター・バウ・ダジ・ラド美術館（ムンバイ、2010年）、「The more I die the lighter I get」ティルトン・ギャラリー（ニューヨーク、2010年）などがある。[2] 2011年、シェッティの作品はポンピドゥー・センターで開催された「パリ・デリー・ボンベイ」やダボスで開催された世界経済フォーラム「India Inclusive」で紹介された。 2010年、スダルシャンは、ナンシー・スペクターがキュレーションしたグッゲンハイム美術館での「Contemplating the Void: Interventions」展に参加した。この展覧会は、ニューヨークのソロモン・R・グッゲンハイム美術館と、デンマークのヘルニングにあるヘルニング現代美術館の「Indian Highway」で開催され、昨年はオスロのアストルップ・ファーンリー近代美術館、2011年にはリヨンの現代美術館で公開された。2010年2月、ルイ・ヴィトンの委託により制作されたシェティの「House of Shades」がミラノ・ギャラリーで発表された。2009年、シェティはパリのギャラリー・ダニエル・タンプロンで個展を開催し、ハーグのジェム現代美術館で開催された3人展「India Contemporary」にも作品が展示された。[要出典]
シェティの作品は、インドのキラン・ナダール美術館、デヴィ・アート財団（アヌパム・ポッダール）、日本の福岡アジア美術館、イギリス・マンチェスターのFC MoCA（フランク・コーエン近代美術館）など、数多くの重要な公共コレクションに収蔵されています。[要出典]シェティはインドのムンバイに住み、活動しています。[要出典]
幼少期
スダルシャン・シェッティは1961年、インドのマンガロールでバント一家[3]に生まれた。シェッティはそこで生まれたが、彼が生後6か月の時に家族はムンバイに移住した。 [4]スダルシャン・シェッティの父、アドヴェ・ヴァス・シェッティ自身も一種の芸術家であり、特にヤクシャガナの演奏者であった。[4]彼が育った家には「音楽と歌がたくさんあった」。[4]スダルシャン・シェッティは1980年代後半、ムンバイのサー・JJ美術学校で絵画を学んだが、次第に彫刻とインスタレーションの表現方法に惹かれていった。[5] 1989年から1991年まで、アフマダーバードのカノリア芸術センターで働いた。[6]そこで彼は国立デザイン研究所や環境計画技術センターの同僚と密接に交流した。これらの会話を通じて、シェティは彫刻、デザイン、建築の関係についての知識を磨いた。シェティは現在、ムンバイのチェンバーに住んでいる。[6]
芸術の実践
スダルシャン・シェッティの作品は、主に大型の彫刻インスタレーションとマルチメディア作品で特徴づけられています。無数の素材や媒体を試しながら、彼のインスタレーションやアサンブラージュでは、日常的な物を並べて意味の新しい可能性を切り開こうとしています。[7]物語や明白な象徴主義という単純な装置を避け、 [8]おもちゃや機械化された物の仕組みに魅了され、[9]シェッティは、家庭的で本質的に不活性な物に新しい命を吹き込みます。日常的な仕掛けや物（特に中流階級のショーケースや店頭のショーウィンドウにあるもの）の世界は、彼の作品の中で刻々と再構成され続けています[10] )
彼は、時間性の側面を探求するキネティック作品で、単純で反復的な機械的な動きと音をよく使用します。シェティは、「その策略は、観客を引き付け、その後、機械的な動きで彼らの幻滅を招き入れることです。」と述べています。 [11]これらの機械的な作品は、家庭内のシーンと組み合わされて、娯楽の場、またはシェティが「遊園地のスペクタクル」と呼ぶものを作り出すために考案されました。物が俳優の群れを形成し、その動きが劇の幕となります。[12]
「このアイデアは、市場の活動を前面に押し出すことにあります。これはまた、通行人をこのアリーナに引き込むための策略でもあります。つまり、馴染みのあるもので誘惑するのです。」[13]
スダルシャンの初期の関心とテーマは、身体の不在や喪失、死、そして「どこか別の場所にいること」の政治をめぐって展開した。アーティストの不在、つまり彼が「肉体の哲学的不在」と呼ぶものへのこだわり[14]は、コンサンギニティ（2003年）やエイトコーナーズオブザワールド（2006年）やラブ（2006年）などの展覧会の本質的な部分であった。「私は不在、人間の不在、どこか別の場所にいることという概念に興味があります。私たちのほとんどはどこか別の場所にいることを運命づけられていると思います。私はこの苦境を受け入れ、それを楽しんでいます。」[15]
最近のショー「死ねば死ぬほど軽くなり、これも過ぎ去る」では、スダルシャンは無益と無意味という概念に没頭するようになった。機械の靴が歩き続け、容器が満たされたり空になったり、コートが液体に浸ったり出たりといった反復を通して無益という概念を高め、作品自体の制作と、観客の記憶の中では遠いかもしれない実際の出来事への参照となるような舞台設定に人為的な要素がある。儚さと死は彼の最近の作品の根底にあるテーマであり、「世界と関わるという強迫観念と、その結果生じる幻滅感は、同じコインの裏表である」[16] 。シェティにとって、プロセスの一部となり、それに関わることはもはや選択肢とは見なされない。なぜなら、「世界と距離を置くことによってのみ、何らかの答えにたどり着くチャンスがあるかもしれない」からである[16] 。
「私のショーのほとんどの準備において、ショーを「演出」することに伴う技巧は、その練習の本質的な一部になります。私は「ドラマ」や「スペクタクル」の感覚を作り出す際にフィクションの側面を演じることに興味があり、同時に、そうすることに伴う無意味さを明らかにすることに興味があります。そして、この両方の立場は相互に包含され、作品の中で互いに影響し合っています。」[17]
シェッティのキネティック作品のいくつかは、骸骨の使用を特徴としている。[18]骸骨は失われた肉体を表し[4]、またその製作過程の無益さを想起させる。[4]アーティストは実際の骸骨を入手し、それを分解し、骨の各部分ごとに型を作り、それらをすべて鋳造し、骸骨をステンレス鋼で再び組み立てる。骨の折れる作業には、特に芸術の無益さであるある種の無益さがある。[4]骸骨は、過去 10 年間のシェッティのほぼすべてのショーで取り上げられており、金属のスポーツカーと愛し合う機械仕掛けの恐竜 (Love 2006) から、「The more I die the lighter I get」(2010) の高床式の雄牛、そして「This too shall pass」(2010) の揺れる馬の骸骨まで、さまざまな作品がある。
ムンバイは、その視覚的な豊かさと多様性から、シェッティにとって情報とインスピレーションの主な源です。彼が「作品の情報」と呼ぶもののほとんどは、「この街との日々の交渉から」生まれます。[4]この街は、シェッティが人間の生活の展開、貸し借り、展開を記録する背景となっています。[12]
作品
ペーパー・ムーン（1995）
彼の最初の重要な個展「ペーパー・ムーン」は、シェッティの作品の中で起こっていた絵画と彫刻の移行と同時期であった。[4]ムンバイのプンドール・アート・ギャラリーとフラマスジ・カワスジー・ホール、およびニューデリーのラビンドラ・バワンで開催された展覧会は、主にファイバーグラスと木製の身近な物体の彫刻で構成されており、批評家のランジット・ホスコテはこれを「高度に様式化された幻想的な遊園地のイメージ」と評した。
血縁関係（2003）
2003年、ニューヨークのボーズ・パシア・モダンは、ニューデリーにハビタット・ビジュアル・アーツ・センターをオープンした[4]。ここでシェッティは、主要な個展「コンサンギュイニティ」を展示した。身体と物体の交差は「コンサンギュイニティ」で最も明確に見られ、この展覧会は明らかに不在の身体への哀歌であった。[8]血を流すトランペット、浴槽の中でカチカチと音を立てるハサミ、ガラス瓶に入った目玉など、擬人化された物体が展覧会の中心をなしていた。人間の死という命題そのものを探求する9つの展示では、血とその多様な形が繰り返し登場した。[19]
パーティーはどこか遠く (2005)
2005年、シェッティは「パーティーはどこか他所」というショーを開催した。これは、その日の前に火事で全焼した建物のギャラリースペースの記念パーティーのために考案されたものである。2つの大きなテーブルと365個の空のワイングラスを2つの木製のハンマーで容赦なく叩く音は、常に緊張状態を保っていた。その音とワイングラスの脆さが作り出す暴力があった。筆記体で書かれたネオンサインが謎めいた「パーティーはどこか他所」と告げていた。[20]
シフト (2005)
2005年の展覧会「Shift」では、建築家シャンタヌ・ポレディとマニーシャ・アガーワルとコラボレーションし、立てた状態では美術館、倒壊するとストリートマーケットのプラットフォームとなる折りたたみ式建物[8]の模型を制作した。
ラブ (2006)
2006年にムンバイのボディアートで開催されたGALLERYSKEのショー「Love」[4]では、アーティストのバイジュ・パルタンが「このショーはインドのインスタレーションアートの水準を引き上げました」と宣言しました。[21]ゴパル・ミルチャンダニとのインタビューで、シェッティは「挑戦は、愛という考えに関連付けられるようになった多くの受け入れられた概念とイメージを使用し、それらを扱うことでした」と語っています。その結果、骨格の鋼鉄の恐竜がピカピカのジャガー車と絶え間なく交尾し、[7]愛という言葉を際限なく入力する点字マシン、機械の心臓の投影が生物学的な心臓に変形し、それがさらにバレンタインのハートに変形するなど、愛の多様な定義と派生を通して愛を理解しようとする試みが生まれました。
エイト・コーナーズ・オブ・ザ・ワールド（2006）
ありふれた身近な物を使ったこの展覧会は、2006年にGALLERYSKEで開催されました。「世界の8つの角」は、家庭内のダイナミックな宇宙に焦点を当てた作品[22]で、シェッティの暗い作品の1つであり、この複雑なインスタレーションのいくつかの要素は死を暗示しています[4] 。展示されているアニメーション構造物の反復的な動きは、特に流れる液体の音のメドレーとほとんどが暗い照明と組み合わさって、人間の姿が不在であることが目立つ世界[22]を作り出しました。[22]
ピュア (2007)
2007年、ピッツバーグのマットレスファクトリーでシェティーズ・ピュアが開催された。[23]そこでのレジデンスの成果として、ピュアはポンプ、パイプ、バルブのネットワークを通じて自らを動かし続けるミニチュアの世界システムを発表した。[4]
家を出る (2008)
家庭内の物へのこだわりは続き、ウィーンのギャラリー・クリンツィンガーで個展「Leaving Home」を開催した。「Leaving Home」は、私たちの生活を形作る物や装置を創造しようとする人間の傾向についての野心的で実存的な考察であった。[24]
喪失の歴史 (2008)
2008 年に制作され、権威あるフリーズ アート フェアの屋外彫刻公園で初めて展示された「History of Loss」は、フォルクスワーゲン ビートルを思わせる車の鋳造アルミニウム レプリカの壁で構成されています。各車は最初に成形され、その後、意図的に 300 フィートの高さから落とされ、衝突させられました。この作品は、後に 2009 年から 2011 年にかけて開催されたバンクーバー ビエンナーレで展示されました。
セイビング・スキン（2008）
2008年にティルトン・ギャラリーで開催された「Saving Skin」は、シェッティにとってニューヨークでの最初の展覧会でした。[4]この展覧会では、機械化が進む世界の中での肉体の喪失を想起させる一連の機械化されたインスタレーションが展示され、これらのインスタレーションは、そのような実験の無益さに関する彼の研究をさらに広げています。
シックス・ドロップス（2009）
2009年にGALLERYSKEで展示された「Six Drops」は、コンピュータで生成されたインクジェットプリントのシリーズで、テートモダンのホールの景色を背景にして展示されています。アジアの神学に着想を得たこの作品のタイトル「6つの滴」は、創造的な自己の6つの敵、つまり欲望、怒り、貪欲、妄想、自尊心、嫉妬を表しています。[20]
ハウス・オブ・シェイド（2010）
ミラノの女性ファッションウィークのためにルイ・ヴィトンから委託された[25]シェードの家は、空港の売店の形を反映しており、ガラスの囲いは伝統的な建築の概念である内部と外部を表現しています。[26]この作品はヴィットーリオ・エマヌエーレ2世ガッレリアに設置されました。
死ねば死ぬほど軽くなる (2010)
ティルトン ギャラリーでの 2 度目の個展「The more I die, the lighter I get 」では、シェッティは多様なシナリオを構築して、生、死、不在、空虚といった哲学的な問いを探求しています。彼の一連のインスタレーションは、死の存在を常に否定する世界における、人間、非人間、非人間の力の絡み合った運命を強調しています。
これも過ぎ去る (2010)
これは、サー・J・J・スクール・オブ・アート[27]で学んだ著名なアーティストを招き、美術館の空間と展示物の中で作品を制作するレジデンス・プログラムを通じて美術館が企画した一連の展覧会の最初のものである。「これも過ぎ去る」という展覧会は、永続性の概念とそれを表現するための「技巧」を中心に構築されている。展示は、アーティストの住むムンバイ周辺の路上で入手できる日用品、機械部品、既製品のイメージを取り入れることで、表現と暗示の世界を通して、鑑賞者が都市、家庭、路上の日常の世界と遭遇することを刺激しようとしている。街自体がアーティストのスタジオとして機能し、美術館が路上のパフォーマンス性に浸透しているため、アサンブラージュは都市化の痕跡を暗示し、埋め込んでいる。
ティーカップと沈む星座の間（2011）
シェッティは、インドと西洋の伝統の重なり合う可能性を探るハイブリッド作品を制作しています。家庭内の関心事と動きの概念を取り上げ、このショーは二重性によって特徴づけられていました。ティーカップは現在の懸念を表し、沈んでいく星座はすべてのはかない性質を示しています。[28]
展示の目玉は、木で手作りされた歪んだ自動車だった。ゆっくりと回転するその自動車は考古学的発見物のように見え、それを作った事故と文明について多くの疑問を提起した。[29]
外で聴く (2011)
「Listen outside this house」は、言葉には、その意味や喚起が絶えず変化するイメージや言及の世界を開く力があるという考えに基づいて構築されています。[30]
言葉は、変化と永続性の二重性、すべてのものの絶対的な無、そして存在の潜在的な無関係性を強調しています。[31] ショーの作品は、荒廃した歴史的建造物、ラーマーヤナとマハーバーラタのページ、回収された古いドアなど、さまざまなオブジェクトを使用して、ショーの準備に伴う技巧を表面に出し、言葉のアイデアを通じて世界観をもたらします。[32]
空飛ぶバス（2012）
ムンバイのバンドラ・クルラ・コンプレックスにあるメーカー・マキシティーの敷地内に設置された空飛ぶバスは、1970年代の2階建てバスのレプリカで、両側に2つのステンレススチールの翼が付いています。バスはまるで離陸する準備ができているかのような位置にあります。[33] この作品は、移民、交通、そして危険な生活というテーマを描いています。バスの横にある銘板には、「私たちは旅行中に自分が誰であるかを忘れてしまうことがあります」と書かれています。空飛ぶバスは、おそらくインドで最も重要なパブリックアートプロジェクトです。[34]
地球が奪った破片（2012年）
シェッティは伝統という概念を、彼の作品の中で繰り返し現れるテーマ、つまり技巧や作り話と組み合わせ、喪の行為を表現する5部構成のインスタレーションを制作した。[35]
展示作品はヒンドゥー教の儀式における13日間の喪に服すことを示唆しており、永遠の輪廻と家庭生活における一直線の儚さとの間の対比を強調している。[36]
水への道（2013）
アート・バーゼルのアート特集部門でGALLERYSKEが発表した「Path to Water」は、ジャングルに2頭の象を描いた手彫りのレリーフ5枚で構成されています。それぞれのレリーフには、12/13世紀の著名な宮廷人、スーフィーの神秘主義者、音楽家であるアミール・フスローの詩「Bahut kathin hai dagar panghat ki」の一節の解釈が刻まれています。「Path to Water」は、考古学的遺物が暗黙のうちに含む意味の曖昧さと、言語の不変性の探求を続けているシェッティの作品です。[37]
個展
2018
ショーニャ・ガー – この家は空っぽ、アンリミテッド、アート・バーゼル、バーゼル、スイス
2017
Shoonya Ghar、アル セルカル、ドバイ、アラブ首長国連邦
Shoonya Ghar、Dr. Bhau Daji Lad、ムンバイ市博物館、ムンバイ、インド
2016
ショーニャ・ガル、国立近代美術館、ニューデリー
2015
ミミック・モメント、ギャラリー・ダニエル・テンプロン、ブリュッセル
これらの行を書かなければならないのは誰か、GALLERYSKE、バンガロール
2014
壊れた瞬間、一つずつ、GALLERYSKE、ニューデリー
2012
地球が奪った破片、ギャラリー・クリンツィンガー、ウィーン
2011
この家の外で聞いてください、GALLERYSKE、バンガロール
ティーカップと沈む星座の間、ギャラリー・ダニエル・タンプロン、パリ
2010
これも過ぎ去ります、バウ・ダジ・ラッド博士博物館、ムンバイ
死ねば死ぬほど私は軽くなる、ティルトンギャラリー、ニューヨーク
2009
無題、ギャラリー・ダニエル・タンプロン、パリ
Six Drops、GALLERYSKE、バンガロール
2008
「Leaving Home」ギャラリー・クリンツィンガー、ウィーン
Saving Skin、ジャック・ティルトン・ギャラリー、ニューヨーク
2006
Love、GALLERYSKE、Bodhi Art、ムンバイ
2005
世界の8つの隅、GALLERYSKE、バンガロール
Shift、シャンタヌ・ポレディとマニシャ・アガルワルとの共同建築インスタレーション、フィリップス・コンテンポラリー、ムンバイ
パーティーは別の場所で、ジャマート アート ギャラリー、ムンバイ
2004
スタティックス、ケモールドギャラリー、ムンバイ
2003
Consanguinity、Nature Morte、Bose Pacia Modern がニューデリーのハビタット ビジュアル アート センターで開催
2001
福岡アジア美術館での 「For Here or To Go」インスタレーション
2000
ローン ボート リバー ソング、スパイク アイランド、ブリストル
1996
絵画、マックス・ミューラー・バヴァン、ムンバイ
1995
ペーパームーン、プンドールアートギャラリー、フラムジカワスジーホール、ムンバイ
ペーパームーン、ラビンドラ・バワン、ニューデリー
1991
スピリット オブ インディア、オランダ美術館、ロッテルダム、オランダ
参考文献
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- ^ [2] [リンク切れ ]
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