リズ・ヤング

リズ・ヤング（1958年3月29日 - 2020年12月22日^[1]）は、カリフォルニア州ロサンゼルスを拠点に活動したアメリカ人アーティスト。彼女の作品は、喪失、美しさ、衰退の必然性、人生の脆さなど、身体と自然に焦点を当てたテーマを探求している。^{[2] [3] [4]}彼女は、工業用金属加工から手工芸品、剥製、伝統的な芸術慣行に至るまで、製造および再文脈化されたファウンドオブジェクト、有機材料、プロセスを取り入れた彫刻、インスタレーション、パフォーマンス、絵画、ドローイング、ビデオを制作している。^{[5] [6] [7] [8]}

ヤングは、ロサンゼルス郡立美術館（LACMA）やロサンゼルス現代美術展（LACE）での個展、ホールウォールズ、ランドルフ・ストリート・ギャラリー（シカゴ）、ニュー・ラングトン・アーツ（サンフランシスコ）などのオルタナティブ・スペースでの個展など、米国とヨーロッパ各地で作品を展示した。また、エグジット・アート、アート・イン・ザ・アンカレッジ、アーモリー・センター・フォー・ジ・アーツなどのグループ展にも参加した。^{[2] [9] [10]}彼女の作品は、 ARTnews、^[11] アートフォーラム、^[12] フリーズ、^[13] ロサンゼルス・タイムズ、^[14] ニューヨーク・タイムズ、^[15]ヴィレッジ・ヴォイス、^[16]などで取り上げられており、LACMAの永久コレクションに収められている。^[17]評論家のピーター・フランクは、彼女の作品は「人生における容赦ない肉体と精神の浸食と、こうしたしつこい残酷さとの不屈の闘いの両方を反映している」と書いている。^[3]

アーティラリー・マガジンの評論家エズラ・ジーン・ブラックは、ヤングの2017年のインスタレーションを「辛辣でありながら哀愁漂うショー」と呼び、「作品の意識を技巧が裏付けている」と述べた。^[18] 2016年、ヤングはグッゲンハイム財団フェローシップを受賞した。 ^{[19]彼女は}ゲッティ・トラストやアンディ・ウォーホル財団などから賞を受けた。 ^[20]ヤングは1981年からロサンゼルスに住み、活動していた。

ヤングは1958年にノースダコタ州マイノットで生まれた。^[7]幼少期は父親の仕事の関係でアメリカ西部やヨーロッパを転々とした。^[4]手工芸に惹かれ、父親からは大工仕事を、祖母からは編み物、織物、かぎ針編みを、若い頃には機械工学を学んだ。^[6] 1976年に大学に入学してから1か月後、ヤングは悲惨な自動車事故に遭い、腰から下が永久に麻痺した。^{[21] [22]}長いリハビリの後、ニューメキシコ大学に入学し、そこでアーティストのハーモニー・ハモンドから、フェミニストの考えと多様な素材や工芸などのプロセスを組み合わせた彼女の芸術を奨励された。 1981年、彼女はロサンゼルスに移り、オーティス芸術デザイン大学（1984年に美術学士号取得）に入学し、そこでヴィト・アコンチ、クリス・バーデン、ジーナ・ペイン、ヘルマン・ニッチュ、ルドルフ・シュワルツコグラーなどのパフォーマンスアーティストやボディアーティストの影響を受けた。^[7]

卒業後、ヤングは芸術家のための型作り、ローズパレードの溶接、映画の特殊小道具などの仕事を通じて製作の知識を培った。^[21]彼女は自身の作品のために、ロサンゼルスのダウンタウンの工業地帯にある路地や荷積み場、廃品置き場をあさり、捨てられた材料を再利用して彫刻作品に仕上げた。^{[21] [22] [6]} 1985年、彼女はLACE、後にニューラングトンアーツ、センターオンコンテンポラリーアート（シアトル）、サンタモニカ美術館などのオルタナティブスペースでプロとして展示を始めた。^{[23] [ 24] [25] 1993年、彼女はロサンゼルス郡立美術館の「Here and Now」ヤングタレントプログラムに認められ、そこでスポンサー付きの完全な展覧会（} 「生存の尊厳」と題された）を開催した最初のアーティストとなった。^{[26] [5]}最近では、ヤングはPØST、アーモリー芸術センター、ラックマンセンター、ロサンゼルスのディープリバー、ロングビーチ美術館、数多くの大学やカレッジなどで展示を行った。^{[26]彼女は2004年から}ロサンゼルス郡立芸術高校で彫刻、美術史、デジタルアートを教えており、2016年に視覚芸術学部の共同学部長に就任した。^[27]

ヤングは、表現のために多様なオブジェクト、素材、媒体、アイデアを組み合わせる生成的なアプローチから、コンセプチュアル・アーティストと呼ばれることもあった。^{[18] [28]}しかし、彼女は職人技、物質性、工業的な製作や裁縫などの儀式的で労働集約的なプロセスの証拠を残すことにこだわる点で、コンセプチュアル・アーティストとは異なっていた。^{[6] [29] [4]}彼女の作品は、製作された要素（溶接されたケージや手作りの釘から衣服や剥製の動物まで）、有機素材、記憶を呼び起こす身近なオブジェクトを組み合わせ、彼女自身が作り直し、再文脈化した。^{[6] [7] [4]}彼女は、身体とその限界、人間の状態、喪失、自然の必然性などのテーマを探求した。^{[6] [30]}作家たちは彼女の芸術を、挑戦的で本能的なもの、^{[5] [31]}不安なもの、^{[7] [14]}ブラックユーモアのあるもの、^{[32] [33]}自伝的で感情的で忘れがたいものなど様々に表現した。^{[34] [35] [18]}

ヤングの初期の作品（例えば、Psychic Bleeding、1986年、The Allowance of Pain、1990-92年）は、劇場のようなインスタレーションに配置され、忍耐、闘争、拘束、痛みと限界の超越といった身体的問題を調査するパフォーマンス（彼女は「ライブプロシージャ」と呼んだ）で使用される、粗雑に作られた集合体「機械」を特徴としていた。^{[36] [24] [3] [37]}これらの装置は、人間の体の姿勢（座っている、立っているなど）から派生した形の語彙を利用しており、病院の担架、手術台、水に浸けたり電気椅子にしたり、告解室や棺桶/揺りかごを思い起こさせた。^{[35] [38] [24]}しかし、それらの製作のプロセスと材料が正反対であったため、実用的な機能が妨げられることが多く、^{[6] [5] [22]}ある説明では、それらを「不吉で不可解」なものにしていた。^[38]ニューヨークタイムズのロバータ・スミスやロサンゼルスタイムズのスザンヌ・ムクニックなどの批評家は、これらを拷問、屈辱、または極度の労働のための素朴な古風な道具であると特定しました^[15] 、制度的および政治的監禁を想起させる重金属の装置でできた「恐ろしい監獄」を構成しています。^{[14] [34]}公的領域と私的領域の間を揺れ動くこれらのインスタレーションは、危険、投獄、または儀式を暗示する空間と状況の中で、鑑賞者を共謀者ののぞき見者、潜在的な被害者、または加害者として物理的に配置しました。^{[6] [35] [12]}

以前の作品と同様に、『生存の尊厳』（1992-93年）は、探索可能な環境であると同時に、ヤングの肉体的に過酷な「ライブ施術」の場としても機能した。^{[6] [22] [5]}この作品の帯電した物体は、鑑賞者が中に入ることができる吊り下げられた檻のような構造物に展示されており、医療機器のような装置、岩に繋がる臍の緒が付いたベストのような妊婦の「恥のコート」、ひげそり/毛刈りスタンド、そして鉄の骨と人間の内臓でできた鉄球と鎖のような道につながれた人工の出産椅子『誕生/死の椅子』などがあった。^{[39] [6] [5] [15]}

ヤングのその後のインスタレーションは、より大きな家族や社会の組織へと拡大していった。Mendacity (1996) は、ミニチュアの制度的構造物 (市役所、教会、銀行、学校、病院、家) が街区のように密集し、古着屋の洋服がぶら下がっているという特徴があった。[ 13 ^] フリーズ批評家のミシェル・グラブナーは、触覚的な建築グレードの材料と家庭用品が「不気味な物理的生命」を生み出し、制度の誘惑と制御機能との間の緊張を捉えていると書いた。^[13] Skin Inn (1997)では、ヤングは奇妙な家具 (十字形のクロスベッド、ジャンクチェアとラブシートを接合したもの、シーソー式のダイニングチェア) を備えたトレーラーハウスを制作し、観客がドアや窓から中をのぞき込むと、3人の「家族」が静かな初日のパフォーマンスを行った。^[40]作家たちは、繭のようなドレスからヤングを切り出すという儀式のような神秘的なパフォーマンスとインスタレーションを、監禁と反復の恐怖を表現する日常の儀式の風刺的な転覆として解釈した。^{[40] [41] [42]}

ヤングの身体に関連した芸術には、絵画や、肉のように見える衣服、マネキンのような人形、義肢などの製作物も含まれていた。^{[7] [26] [10]} 1997年、ヤングは自身の血で描いた亡くなった親族の小さなありふれた肖像画13点を展示した。批評家は、透明な釉薬とオールドマスターの表面のようにひび割れた厚い塗布部分を特徴とする顔料の繊細な扱いを指摘し、それらを幽霊のように陰鬱で親密だと評した。^{[33] [32] [43]}

1998年にユークロス財団^[44]（牧場）に滞在していたヤングは、自然のイメージを取り入れ始め、人間の経験の脆さや哀愁といった彼女の特徴的なテーマのいくつかを動物や植物に移した。^{[4] [18]} 2001年にスカーボール文化センターで開催されたCOLAフェローシップ受賞者の展示会では、毛皮ではなく肉のような素材で覆われた等身大の家畜の模型と、皮のような工業用バッグで作られたビジネススーツと看護師の制服を組み合わせたインスタレーションを制作した。ロサンゼルスタイムズの批評家ホリー・マイヤーズは、それらを「曖昧でありながら不快なほど本能的」と評した。^{[31] [7] [20]}その後、彼女の作品はアメリカ西部のテーマ、風景、文学、アメリカ文化のイメージ、剥製、刺繍、その他の手工芸などのプロセスにも引き継がれるようになった。^{[4] [45] [46]}

ヤングの2000年代後半の刺繍の絵は、精巧に作られた工芸技術と厳格な概念的基礎のバランスが取れていると評された。^{[28] [46] [47]}アメリカの国旗、鹿の的、剥製などのアメリカ文化の物品を扱い、またそれらに取り組みながら、彼女はユーモア（耳当てやプラスチックの目が付いた剥製の毛皮で縫ったコートや、古い農業雑誌の表紙に縫い付けられたイナゴやネズミ）と社会批評の両方を提示した。例えば「Balmy Birds（2006年）」^[48]では、逆さまのアメリカ国旗に刺繍された黒い鳥が政治的な不安と混沌の感覚を伝えている。^{[49] [28] [45]} 2013年の展覧会「Still Life」では、剥製の動物（鳥と鹿）と、同じ動物の木製パネルに描いた黒鉛の絵が組み合わされた。これらは、生命のない、静止した、そしてずれた自然を描いた現代のメメント・モリやナチュール・モルテとして機能した。 ^{[4] [50]}

ヤングの後期のインスタレーション作品「Freed of The Tie Between Root and Soil」（Fellows of Contemporary Art、2017年）^[51]と「Of Blood and Dirt」（PØST、2017年）^{[52] は}、風景と自然、身体、血、土というモチーフを通して、生と死のサイクルについて探求している。^{[4] [18]}どちらの展覧会も、彫刻やドローイングにおいて、2次元と3次元、ポジティブとネガティブのイメージを用いており、それらはしばしば身体や自然の不在に焦点を当てている。これらのイメージには、枯れた木や休眠中の木の切り抜き窓のシルエットから、グラフィックで赤い彫刻的な根や動脈が伸びているもの（Blood in the Roots、2017年）や、火薬、グラファイト、ボールペンの暗いフィールドから浮かび上がる裸の木、テキスト、死んだ鳥や鹿の孤立したシルエットのようなドローイングなどがある。^{[4] [18] [53]}

ヤングは2016年にグッゲンハイム財団フェローシップを受賞したほか、ロサンゼルス市（2001年）、カリフォルニア芸術評議会（2001年、1992年）、アンディ・ウォーホル財団（1997年、1991年）、アート・マターズ（1995年）、ゲッティ・トラスト（1993年）などから賞を受賞した。^{[2] [7] [20]}彼女はPLAYA（2018年）、サンタフェ・アート・インスティテュート/クリエイティブ・アクセス・レジデンシー・イニシアチブ（2015年）、サードナ財団（2009年）、マコール・センター・フォー・アート+イノベーション（2000年）、ユークロス財団（1998年）、ヘッドランド・センター・フォー・ジ・アーツ（1998年）、マクドウェル・アーツ・コロニー・フェローシップ（1991年）でアーティスト・レジデンシーを務めた。^{[54] [44] [2]}ヤングの作品はロサンゼルス郡立美術館、レフ財団、ウィリアム・アンド・メアリー・グレーブ財団、ノートン・ファミリー財団のコレクションに収蔵されている。^{[17] [26]}

• リズ・ヤング公式サイト
• リズ・ヤング、グッゲンハイム・フェローのページ