ロバート・J・ハーシュ

ロバート・J・ハーシュ（1949年生まれ）は、アメリカの芸術家、キュレーター、教育者、歴史家、作家である。色彩とデジタル画像、写真の歴史に関する著作で知られ、また、触覚的で表現主義的な解釈を被写体にもたらす写真家の擁護者としても知られている。^{[1] [2] [3]}

ハーシュは1949年ミシガン州アナーバー生まれ。ロチェスター工科大学で1971年に美術学士号、アリゾナ州立大学で1974年に美術学修士号を取得。バッファローのCEPAギャラリーの元エグゼクティブディレクター兼チーフキュレーター、サザンライトギャラリーの創設者、ノースライトギャラリーの共同創設者であり、数多くの展覧会やパブリックアートプロジェクトのキュレーションを手掛けてきました。以前は、アマリロカレッジ、ニューヨーク州立大学バッファロー校、ニューヨーク州立大学ブロックポート校で写真学の教授を務め、ニューヨーク州立大学ブロックポート校では視覚芸術の大学院研究科長とビジュアルスタディーズワークショップの副ディレクターも務めました。2000年以来、バッファローを拠点とし、写真芸術分野で専門サービスを提供するコンサルティング会社ライトリサーチを率いています。

ハーシュの作品は、ニューヨーク州バッファローのオルブライト・ノックス美術館、バッファローのバーチフィールド・ペニー・アートセンター、オランダのフローニンゲンのノーダーリヒト・フォトフェスティバル、ニューヨークのステファン・スタックス・ギャラリーなど、北米とヨーロッパの200を超える個展やグループ展で展示されてきました。過去10年間、ハーシュの視覚プロジェクト（World in a Jar: War & Trauma、Manifest Destiny & the American West、Unseen Terror: A Culture of Fear、The Sixties Cubed、Ghosts: French Holocaust Childrenなど）は、歴史的なイメージと記憶や時間の相互関係を探求してきました。ハーシュは、民族間の暴力、大量虐殺、宗教的不寛容、戦争を 調査するために、イメージを再撮影し、再文脈化して3次元インスタレーションを制作してきました。

2019年12月から2020年1月にかけて、ヒルシュはインディゴアートギャラリー（バッファロー）で新しいビジュアルプロジェクト「マグカップ：人体測定による肖像と社会的アイデンティティのぼやけ」を発表しました。これは「デジタルを媒介とした世界における自己認識と視覚的儀式、技術の変化、正義の交差点を取り上げている」と言われています。^[4]

ハーシュの著書^[5]には、『Transformational Imaging: Handmade Photography Since 1960』、『Exploring Color Photography: From Film to Pixels』、『Photographic Possibilities: The Expressive Use of Equipment, Ideas, Materials, and Processes』、『Seizing the Light: A Social & Aesthetic History of Photography』、『Light and Lens: Photography in the Digital Age』などがある。『Light and Lens』は中国語版とドイツ語版が出版されている。彼の作品は、視覚的作品も文章作品も、ロバート・ハーシュの署名がある。

ハーシュは、視覚文化に関する多数の記事を発表し、数多くの著名な写真家やキュレーターにインタビューしてきました。彼は、 PhotovisionおよびDigital Camera (英国) の副編集者であり、Afterimage、CEPA Journal、Light Work's Contact Sheet、Digital Camera、Exposure、The Encyclopedia of 19th-Century Photography、The Focal Encyclopedia of Photography、Fotophile、The Handmade Photograph、History of Photography、Photo Ed (カナダ)、The Photo Review、Photovision、Photo Technique、World Book Encyclopedia、およびBuffalo SpreeやFY を含む多数の地域出版物に寄稿しています。

写真雑誌「アフターイメージ」は、「ロバート・ハーシュは『光とレンズ：デジタル時代の写真』を、ソフトウェアやカメラのマニュアルではなく、まず第一にアイデアの本である大学レベルの入門写真教科書として明確に売り込んでいる。この哲学に沿って、ハーシュは技術的な側面だけでなく、批判的な見方や美的価値についても十分に取り上げている。したがって、この本は写真の歴史、視覚的基礎、象徴主義に関する章で始まり、カメラで見るということ、画像について考え、書くことに関する思慮深い章で締めくくられている。この重点は、写真教科書としては新鮮で刺激的なアプローチである。」と述べている。^[6]

バッファロー・ニュース紙の美術評論家リチャード・ハンティントンは、World in a Jarについて次のように書いている。「瓶の中のインスタレーションでは、驚くほど多くのイメージが並べられているにもかかわらず、どのイメージも目立っていません。それは、ハーシュが文化的な土俵を平等にしているからです。ナチスの残虐行為、恐ろしい医療処置、フランケンシュタイン、バート・シンプソンなど、どんな題材を扱っていても、ハーシュはすべてのイメージに視覚的な平等性を与えています。しかし、これが重要なのですが、それはシニシズムやブラック・アイロニー、ポスト・モダンの還元主義なしに行われています。ハーシュはこれらのイメージを平等に並べ、心を揺さぶり、感情的に注意を喚起します。ハーシュの手にかかると、些細なことと深刻なこと、偶然と恐ろしく意図的なものが混ざり合い、すべての作品が、それらの部分の総和よりも大きな、ある包括的な人間ドラマの一部であるかのように思えます。」^[7]

ライトワークのエグゼクティブディレクター、ジェフリー・フーンは、以前の作品『The Architecture of Landscape』について次のように書いている。「ハーシュは、鑑賞者にさまざまな問題、懸念、技術を与え、考えさせ、消化させている。彼は、主題の選択からイメージのスケールまで、シリーズのあらゆるニュアンスから意味を引き出し、彼が下した決断のそれぞれが、さらなる調査の機会を切り開いているようだ。」^[8]

ヒルシュの最近の展覧会「The Sixties Cubed」について、批評家でアーティストのブルース・アダムスは次のように書いている。「この作品、そしておそらく近年のヒルシュの作品すべてにおいて、核となっているのは [ブリオン] ギシンのカットアップ技法であり、文章の断片をランダムに並べ替える偶然の要素を利用している」。アダムスによると、ヒルシュは「それが生み出したイメージを通して10年間の自由な流れを描き、断片的で非線形な複数の物語を生み出した。ヒルシュはこれを『時間の経過とともに展開する断片が集まった世界に我々がいかに生きているか』のメタファーと見ている。もちろん、作品が展示されるたびにランダムな配置が異なり、おそらくは多数の自発的な連想を呼び起こすことになるだろう」。^[9]

• http://www.lightresearch.net
• https://www.routledge.com/search?kw=ロバート+ハーシュ
• http://www.luminous-lint.com/app/photographer/Robert__Hirsch/A/
• https://collection.lightwork.org/Detail/artist/Hirsch%2C%20ロバート
• http://photo.net/learn/photographer-interviews/robert-hirsch/
• http://lenscratch.com/2014/03/robert-hirsch-transformational-imagemaking/