ジェームズ・ドゥーリン

ジェームズ・ドゥーリン（1932年6月28日 - 2002年7月22日）は、南カリフォルニアの豊かな自然と都市の風景を描いたアメリカの画家、壁画家である。ロサンゼルスの芸術家であり作家でもあるダグ・ハーヴェイは、彼の絵画は「私たちが毎日見過ごしている場所を目にし、その不吉な工業的雰囲気にもかかわらず、街は光り輝く活気と神話に近い心理的力に満ちていることに気づかせてくれる」と述べている。^[1] 「色彩と構成の達人」と評される彼の「刺激的でムーディーな絵画は生命力に満ちていた」^[2]

ドゥーリンはコネチカット州ハートフォードで生まれ、7歳のときに両親と兄弟とともにフィラデルフィア郊外に引っ越した。夏をバーモント州で過ごしたときに出会ったニューイングランドの風景は、後に彼の作品に影響を与えた。小学校時代、米国が第二次世界大戦に参戦すると、彼は軍用装備品や戦闘シーンのイメージにとりつかれた。10歳の若さで「短縮法の問題を解決し」[空中でのドッグファイトを描く際の翼の位置]、「遠近法の原理を習得した」。複雑な遠近法は、彼のキャリアを通じて支配的なモチーフとなった。^[3]

保険のセールスマンとして成功していた父親は、息子に自分の後に続いてビジネス界で活躍して欲しいと考えていたが、1950年にドゥーリンはリベラルアーツ教育を受けるつもりでバーモント大学に出願した。しかし、ある教師が彼にフィラデルフィア芸術大学への出願を勧め、全額奨学金を授与された。芸術大学は「彼に強固な基礎と芸術の価値についての新たな姿勢を与えた」と彼は言い、学校が彼の個性的なスタイルを育んだと評価した。^[3]

ドゥーリンが10代後半にロッキー山脈を横断した旅で遭遇した広大な空間と壮大なスケールは、この芸術家に新たな可能性と経験を開き、シカゴとカリフォルニアへの3年連続の夏休みのヒッチハイク旅行のきっかけとなった。後者の2回の旅行で、彼はヨセミテの自然の美しさとサンフランシスコのカラフルで時には荒々しい街並みの両方を吸収することができた。^[3]

1954年、アメリカ陸軍に所属してドイツに駐留していたドゥーリンは、初めてヨーロッパを体験した。ミュンヘンのハウス・デア・クンストやフィレンツェのウフィツィ美術館を訪問した。1957年に除隊したドゥーリンはニューヨークに移り、その後4年間は広告業界でフリーランスのコマーシャルアーティストとして働き、限られた空き時間にアートを制作した。ニューヨークで文化的な刺激を受けたにもかかわらず、ドゥーリンは職業的にも芸術的にも満足できず、1961年のヨーロッパへの長期旅行に備えてお金を貯めるために余分な仕事をした。その後ドゥーリンは、ヨーロッパの主要な芸術と歴史の中心地への文化巡礼とでも言うべき旅に出た。このアーティストは、オランダとイタリアのルネサンスの巨匠や現代の抽象画家の作品に特に影響を受けた。^[3]

元気を取り戻したドゥーリンは、ロードス島に家を借りて、南ヨーロッパ、特にイタリアのラヴェンナで見たモザイクにインスピレーションを得て絵を描き始めた。この時期の作品は、宝石のような模様と明るい色彩が特徴的だった。これらの小さな絵の「正面の構造」と「平坦な空間」は、その後の作品に永続的な影響を与えることになる。ギリシャ滞在中、ドゥーリンはオーストラリア人の若い女性レスリー・エドワーズと出会い、後に結婚した。結婚とヨーロッパでの長期滞在に刺激を受けてニューヨークに戻ったこの芸術家は、今や「画家になるという強い決意」を抱いていた。^[3]

ニューヨークに戻ったドゥーリンは、再び商業画家として働き、余暇に絵を描いた。アル・ヘルドや他のハードエッジ派の画家に触発され、彼は「人工風景画として知られるようになる幾何学的抽象絵画」のシリーズに取り組み始めた。これらの風景画は、自然環境ではなく人工物を題材にしており、「彼の住むグリニッチビレッジの街並み、つまり道路標識、建物の壁、暗い出入り口、港湾に近い準工業地帯の看板に直接関係している」。これらの作品は「しばしば水平に分割され、都市景観内の平坦で大胆な形状を反映する幾何学模様のブロックに区画化されている」。芸術家は「自然界にはない、荒々しく無機質な色」を使って、より人工的な感覚を実現した。^[3]

1965年、妻の提案で、夫婦と二人の息子は彼女の生まれ故郷メルボルンに移り、そこでドゥーリンは教職に就き、1966年にはギャラリーAで初の個展を開催した。批評家の反応は概ね不評だった。ドゥーリンは、当時ニューヨーク風の美学に好意的に受け止められていたシドニーで、1967年にセントラル・ストリート・ギャラリーで行われた「人工風景」展で好評を博し、はるかに良い評価を得た。^[3]

将来、より良い教職に就くために教育をさらに受けたいと考えたドゥーリン一家は、シドニーでの個展の直後にロサンゼルスに移り、ドゥーリンはすぐにカリフォルニア大学ロサンゼルス校の美術学修士課程に入学した。^{[3] 1968年、彼は}ビクトリア国立美術館の再オープンを記念した展覧会「ザ・フィールド」へ の参加を依頼された。^[4] 彼は3点の新作絵画を出品し、これは多くの批評家から高く評価され、その後オーストラリアの3大美術館に収蔵された。1969年、彼はアーチ・シリーズとして知られる「ミニマリストの美学」を掲げた「明るくて空気のような」人工風景画の新シリーズを描き始めた。1970年、セントラル・ストリート・ギャラリーがドゥーリンに2度目の個展開催の連絡をし、彼は新作の人工風景画9点を出品した。この個展は批評的にも経済的にも完全な成功を収めた。^[3]

ロサンゼルスでは、ドゥーリンの作品はより具象的になり、「直接観察によるより『伝統的な』幻想的な絵画」を描きたいという彼の願望に従った。この芸術家は、UCLAでの2年間の大半を「観察した現実、夢、空想、記憶を幻想的に描くこと」に費やした。翌年、彼は大学の講師となり、幻想的な絵画の探求をさらに進めた。^[3]

この時期にはフォトリアリズムとコンセプチュアルアートが2つの主流のスタイルとして登場し、この2つの運動はどちらもこのアーティストの壮大な作品「ショッピングモール」に影響を与えました。^[3] ドゥーリンはこの作品の制作に4年間 (1973-77) を費やしました。「サンタモニカのアリゾナアベニューとサードストリートの交差点の大規模で詳細な空中写真で、西部の風景を現代的に解釈する重要なアーティストとしての彼の評判を確立しました。」^[1] アーティストは「最初の2年間、あらゆる屋上の見晴らしの良い場所から現場をスケッチし、写真を撮り、その後、混雑した交差点の非常に詳細な対角線の構成を構築しました。」^{[2]この絵画は、1977年に}ロサンゼルス市立美術館のバーンズドールパーク で開催された個展の主要作品であり、熱狂的なレビューを集めました。この作品はその後、1978年にオーストラリア全国ツアーに送られ、7都市を巡回しました。^[3]

1980年、この最新の成功と結婚の解消の直後、ドゥーリンは3年間のグッゲンハイム財団フェローシップを受賞し、^[2]アーティストはモハーベ砂漠の人里離れた地域に移住して絵を描くことができました。「1950年代にヒッチハイクで西へ旅して以来、砂漠の厳かな美しさに魅了されてきました」。この時期、彼は砂漠の風景のユニークな要素を描くことで芸術のインスピレーションを得ました。^[3]

彼は1983年にロサンゼルスの都市環境に戻り、1990年代までに都市を記録し始め、彼の最も有名な作品の多くを描きました。彼の特徴的な「バス停、無人の看板、ロサンゼルス川の干上がった谷、高速道路のランプの間にあるコンクリートの島々などのネガティブな社会空間」の描写で、アーティストは「カリフォルニアの風景の伝統の不気味な崇高さ」と「脱工業化の黙示録的な憂鬱」の意外な融合を実現しました。^[1]

ドゥーリンの作品は多くの公共および企業のコレクションに収められており、アメリカに関する多数の書籍にも取り上げられている。」^[5] 彼はグッゲンハイム・フェローシップと、 1981年、1986年、1992年の3回にわたる全米芸術基金の助成金^{[5]を受賞した。 [2]ドゥーリンはキャリアを通じて「}絵画主義と地域主義 に対するロサンゼルスの芸術界の偏見」と闘ったが、最終的には批評家、コレクター、仲間の芸術家から尊敬を得た。^[1] オーストラリアの作家ピーター・ケアリーはドゥーリンを「リスクを冒す人物であり、主題の選択は流行遅れであることが多い」と指摘した。ドゥーリンの死後、芸術家のカール・チェンは彼を「ロサンゼルスの時代の美しさと疎外感の両方を捉えた西海岸のエドワード・ホッパー」と評した。 ^[2] 彼の傑作で輝かしい絵画「サイキック」が巡回展「ロサンゼルスを表現する」（2000～2002年）の見出しとなり、サンノゼ美術館で展示された。 2001年に回顧展を開催し^[3] 、ロサンゼルスを代表するアーティストとしての評判を確固たるものにした^{[1] 。}

• ジェームズ・ドゥーリンの経歴と厳選された展覧会