Loading article…
フィクションアートとは、中心となる物語の信憑性を高めるために、オブジェ、出来事、存在などを制作する実践である。フィクションアート作品は、物語の事実性を裏付ける証拠となる素材を取り入れることで、そのフィクション性を隠蔽し、鑑賞者を欺くように設計されている。多くの場合、これらの素材は「歴史的」写真や「科学的」データなど、文化的権威を暗示する形態をとる。フィクションアート作品における重要な緊張関係は、証拠としてどれだけ多くの、あるいはどのような種類のオブジェを制作しても、フィクションを「現実のものにする」ことは不可能であるという点にある。フィクションアート作品は、少なくとも一時的には「現実」として通用するように設計されているため、作品がフィクションであることが明らかになった場合、フィクションアーティストは詐欺師、いたずら者、偽造者、あるいはペテン師として非難される可能性がある。
フィクティブ・アートという用語は、アーティストのアントワネット・ラファージとリサ・パットが2004年の大学美術協会会議のパネルのタイトルで初めて使用しました。これはスーパーフィクションやパラフィクションといった用語と関連していますが、両者とは異なり、中心となる活動を（スーパー、パラ）フィクションからの逸脱として構築するものではありません。むしろ、視覚芸術の要素の優位性を主張し、それらが中心となる物語を確立、拡張、可能にする上で果たす役割を強調します。近年の多くの展覧会では、メディア、イリュージョン、欺瞞の関係を幅広く探求する一環として、フィクティブ・アートの例が取り上げられています。例としては、SITE Santa Fe（2012年）の「More Real? Art in the Age of Truthiness」や、ニューヨーク近代美術館（2012年）の「Faking It」などが挙げられます。アントワネット・ラファージの著書『Sting in the Tale: Art, Hoax and Provocation』（2021年）は、フィクション・アートの実践者を網羅的にレビューしたものである。
フィクションアートの起源は数世紀に遡ります。例えば、トーマス・チャタートンの「ローリー」作品、ジョージ・プサルマナザールの「フォルモサ」作品、コティングリーの妖精写真などが挙げられます。20世紀後半にマスメディアが台頭すると、フィクションアートの実践は拡大し、現在では展覧会やモキュメンタリーといった馴染み深い形式も含まれるようになりました。著名な実践者とプロジェクトには、ノーマン・デイリー（『ルロスの文明』1972年）、デイヴィッド・ウィルソン（『ジュラ紀技術博物館』1988年）、ニコラス・カーンとリチャード・セレズニック（『円形の川』1989～99年）、ボーヴェ・ライオンズ（『ホークス・アーカイブス』1990年）、ジョアン・フォントクベルタ（『スプートニク』1997年）、イヴ・アンドレ・ララミー（『イヴ・フィシオ』1997年）、ジム・ショー（『Oイズム』1970年代）などがある。