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ファッション博物館は、アクセサリーや衣服の重要なコレクションを専門に展示している、または展示している博物館です。繊維博物館と重複する部分もありますが、ファッション博物館は、衣服やアクセサリーのトレンドが、さまざまな歴史的時代のより大きな文化的、社会的、経済的価値について何を明らかにしているかに焦点を当てています。[ 1 ]ファッションは衣服以外のものにも適用される広い用語ですが、これらは長年にわたって変化するトレンドの具体的な例を提供するため、ファッション博物館という用語は、衣服を展示している博物館を指すのが一般的です。[ 1 ]
注目すべき例としては、カナダ衣装博物館、バースのファッション博物館、パリのガリエラ美術館、ロンドンのファッション・テキスタイル博物館、アントワープのMoMu（ファッション博物館）などがある。 重要なファッションコレクションを所蔵する国立博物館としては、ロンドンのヴィクトリア・アンド・アルバート博物館がある。ニューヨークのメトロポリタン美術館には、75,000点以上の衣装とアクセサリーのコレクションがある。[ 2 ]
ファッション博物館や展示会は、展示の種類によってさまざまな目的を果たすことができます。歴史に焦点を当てた展示の多くは、特定の時代への理解を深め、来場者に全体像を示す手段として衣服を使用しています。[ 1 ]歴史的および現代のファッション展示は、当時のトレンドやスタイル、そしてそれが他の要素と組み合わさって何を意味するのかを示すことができ、ファッションデザイナーや他のアーティストにインスピレーションを与えることもできます。[ 1 ]特定のデザイナーに焦点を当てた博物館や展示会は、「スローマーケティング」の一形態としても利用でき、特定のブランドの宣伝と認知度を高めることができます。[ 3 ]おそらく最も重要なのは、ファッションとファッション展示の現在の人気が博物館への関心を高め、より多くの来場者を引き付け、最終的に博物館に大きな利益をもたらすことです。[ 3 ]ファッション博物館や展示会は、一般の人々が現代および歴史的なファッションに触れ、理解するための主要な方法の1つとなっており、これらのタイプの展示は来場者と博物館の両方にとって有益です。[ 4 ]
ファッション博物館や展示会のもう一つのあまり知られていない利点と目的は、特定の都市を世界のファッションの中心地として確固たるものにする能力です。 [ 3 ]ロンドンやニューヨーク市のように、ファッションに特化した博物館や展示会が多数ある都市は、ファッション関連の体験を豊富に提供しているため、ファッションの中心地として見なされ続けるでしょう。[ 3 ]成功したファッション展示会に伴う宣伝効果と興奮は、都市がファッションの目的地としての評判を維持するのに役立ちます。[ 3 ]ファッション博物館は、展示されている衣服を通して、特定のファッション都市が時間の経過とともにどのように変化してきたかを示すこともできます。[ 3 ]
最後に、博物館に展示されているファッションや衣服のもう一つのユニークな目的は、衣服が着用者によって生じた摩耗や欠陥を示す方法である。[ 5 ]これらの痕跡は、例えば、来館者を特定の展示物や展示されている時代と結びつけ、より個人的で人間味のあるものにする。[ 5 ]ファッションや衣服が歴史的な文脈で展示される場合、それらは単に当時の人々の服装を示すだけでなく、摩耗の痕跡を通して個々の生活の手がかりや詳細を明らかにする。[ 5 ]衣服に込められた記憶やこのような個人的な詳細は、歴史を理解し、より個人的なものにする上で非常に役立つ可能性がある。[ 5 ]
衣服は18世紀末から展示されてきたが、ファッション展示という概念は20世紀になって初めて登場した。[ 1 ]ファッション専門の博物館もあるが、ヴィクトリア＆アルバート博物館やメトロポリタン美術館は、大規模なファッション展示やコレクションを追加した最初の主流の博物館であり、博物館における衣服の重要性に対する比較的新しい認識と評価を示している。[ 1 ] 18世紀と19世紀には、衣服は人類学や文化史に関連する博物館のコレクションで見られた。[ 1 ] 20世紀の近年では、ファッションは美術として評価されるようになり、ますます多くの博物館がファッションコレクションや展示への需要に応え始めている。[ 1 ]
ファッション史家のマリー・リーゲルス・メルキオールによれば、ファッション博物館の発展は、第1期、第2期、第3期の3つの時期に分けられる。[ 1 ]各時期は、博物館の展示における衣服の展示方法や理解の仕方によって区別され、時期ごとの発展は、衣服に対する人々の理解や評価がどのように変化し始めたかを示している。[ 1 ]
第1期は第二次世界大戦直前頃に始まりました。この頃から、衣服コレクションが博物館の主要コレクションに組み込まれるようになりました。[ 1 ]博物館で展示されたファッションや衣服の初期の例では、歴史上の人物が着用した衣服や、異なる社会階級の人々がどのように服を着ていたかを示す品物がほとんどでした。[ 1 ]今日のように、最新の衣服やデザイナーへの関心はありませんでした。[ 1 ]
第二期は1960年代から1970年代にかけて、ファッションの人気が高まったことから始まった。[ 1 ]第二次世界大戦後、ロンドンなど多くのファッションの中心地は戦争の影響を受け、変化を遂げ、その結果、博物館におけるファッションや衣服の扱い方も変化し始めた。[ 3 ]ファッションはポピュラーカルチャーに浸透し、より多くの人々にとって関心の的となったため、博物館は歴史的な文脈での衣服だけでなく、オートクチュールや現代のファッションに焦点を当てる必要性が高まった。 [ 1 ]第二次世界大戦後のこの変化により、博物館とファッション企業の間で多くのコラボレーションが生まれ、ファッション展示の多様化につながった。[ 3 ]ダイアナ・ヴリーランドはこの時期の特に注目すべき人物であり、メトロポリタン美術館で現代ファッションに焦点を当てた多くの人気展覧会を企画し、こうした展示に対する需要があることを証明したことで知られている。[ 1 ]
第三期は1990年代に始まり、現在まで続いています。この時期は、来館者が現代のファッションやデザイナーに強い関心を持つようになり、美術館にもそれを期待するようになった時代を特徴としています。[ 1 ]美術館におけるファッションへの新たな関心は、美術館に新たな活力を与え、より多くの来館者を引きつけています。[ 1 ]
これらの展示はファッションの歴史的側面に焦点を当てており、衣服のほか、アクセサリーやジュエリーなどの工芸品も展示している。[ 1 ]これらは歴史家、人類学者、研究者にとって豊富な情報源となるが、ファッションデザイナーもこうした展示からインスピレーションを得ることが多い。[ 1 ]
年代順の展示では、衣服がタイムラインに沿って展示され、来場者は衣服の流行が時間の経過とともにどのように発展してきたかを見て理解することができます。多くの場合、展示が行われる物理的な空間のデザインは、来場者が順調に見て回れるように工夫されています。[ 1 ]
これらの博物館や展示では、バレエ、オペラ、演劇、映画などの舞台芸術で使用されるアイテムや衣装のみが展示されています。[ 1 ]注目すべきコレクションとしては、3,500点以上の舞台衣装や小道具を所蔵するヴィクトリア・アンド・アルバート博物館、国立舞台衣装センター、衣装、スケッチ、小道具など20万点を所蔵するボリショイ劇場博物館などがあります。[ 1 ]
学際的な展示は、デザイナーと、彼らの作品にインスピレーションを与える他の芸術形式やアーティストとの間の強い関係、そしてその逆の関係を示すことを目的としています。[ 1 ]多くの場合、衣服は他の視覚芸術分野の作品と並べて展示され、来場者は密接なつながりを目にすることができます。[ 1 ]
これらは特定の時代に焦点を当てた展示であり、衣服をその時代の要素を示す一つの側面として取り入れ、通常は家具、絵画、彫刻などの作品と並べて展示されます。[ 1 ]
これらの展示は、ウェアラブルアートやコンセプチュアルウェアとも呼ばれる、特別なタイプのファッションに焦点を当てています。これらの服は、より前衛的な場合が多いです。このタイプのファッションで有名な人気デザイナーには、川久保玲、三宅一生、マルタン・マルジェラなどがいます。[ 1 ]
回顧展では、一人のデザイナーまたはファッションブランドに焦点を当て、デザイナーのキャリアやファッションブランドの設立から現在までの服飾品を時系列順に展示します。[ 1 ]時には、この種の展示は、有名人や著名人のキャリア全体にわたるワードローブを紹介するためにも使用されます。[ 1 ]
最近では、デザイナーの中には店舗と併設して独自のギャラリースペースを開設し始めた者もいる。[ 1 ]グッチやサンローランなどの例では、隣接する店舗スペースでアーカイブのデザイン、スケッチ、その他の資料を展示している。[ 1 ]
また、近年人気が高まっているこれらの展示は、ファストファッションや、ファッションとそのトレンドサイクルが時に有害であるという懸念を強調しようとしている。[ 1 ]