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『サルタンバンク一家』（フランス語: Famille de saltimbanques）は、パブロ・ピカソが1905年に制作した油彩画です。旅回りのサーカス芸人であるサルタンバンク一家が6人描かれています。ピカソの「バラ色の時代」 、あるいは「サーカス時代」とも呼ばれる時代の傑作とされています、ワシントンD.C.にあるナショナル・ギャラリー・オブ・アートに所蔵されています。
この絵は、ピカソが1904年にバルセロナからパリに移り住んだ後の、画家としての初期の頃に制作されました。お金のない若者だったピカソは、バトー・ラヴォワールとして知られる老朽化した建物のスタジオに住んでいました。彼は幸運にも、その建物や周辺地域に住む多くの若い芸術家たちに囲まれていましたが、ピカソにとってそれは孤独と貧困の時期でした。孤独で貧しく孤立した人々への彼の同情は、1904年まで続いた彼の青の時代の憂鬱な絵画に最も顕著に表れています。 1905年までに、ピカソは考え方を変え、より暖色系の新しいパレットで、より肯定的なトーンで主題を描き始めました。このバラ色の時代、ピカソはサルティンバンク、つまり旅回りのサーカス芸人の生活に興味を持ち、しばしば曲芸師のグループや家族を描きました。[ 1 ]
『サルティンバンクの家族』は、ピカソがサルティンバンクをテーマに探求していた1904年末から1906年初頭にかけて描かれた作品です。この時期、ピカソはモンマルトルのシルク・メドラノに頻繁に足を運び、そこで出会ったパフォーマーたちからインスピレーションを得ました。サーカスのパフォーマーたちの中に、ピカソは自分と共通点を見出しました。彼らの多くはスペイン出身で、ピカソ自身も若い頃に経験したような、移り気な生活を送っていたからです。[ 1 ]
「サルティンバンクの家族」 は、縦7フィート、横7.5フィートの巨大な絵画です 。これは、若く貧しい画家にとって野心的な作品でした。絵画には、一緒に立っているものの互いに目を合わせないため、どこか孤立しているように見えるサルティンバンクの集団が描かれています。[ 2 ]ピカソはこの作品の中で、ダイヤモンド模様の衣装を着たハーレクインとして自身を描いています。集団の中の人物は、それぞれ自分の考えにふけっているかのように孤立しています。彼らは一人で座っている女性の方をちらりと見ています。ハーレクインは、後ろに立っている子供に手を伸ばしている様子が描かれています。[ 1 ]
ジョン・リチャードソンをはじめとする美術史家たちは、この絵画の夢のような雰囲気や人物の無表情な姿は、ピカソがアヘンを使用していたことによる影響だと考えている。アヘンは当時、バトー・ラヴォワールの住人たちが日常的に使用していた物質である。ジョン・リチャードソンの1991年の伝記『ピカソの生涯』の第1巻で、彼はピカソが1904年から1908年の間に週に数回アヘンを吸っていたと述べている。[ 3 ]
絵画の分析により、ピカソは3層目となる最終層を完成させる前に、この構図を2度描いていたことが明らかになった。1980年、EAカーミーンとアン・ホーニグスワルドは、絵画のX線検査中にこの発見をした。検査の結果、表面の下に2つの初期の絵画があり、1つ目はサーカス一家を、2つ目は曲芸師のペアを描いたものであることが判明した。これは、ピカソが1年以上このキャンバスに取り組んでいたことを示し、また、1904年の青の時代末期から1905年のバラ色の時代初期への彼の芸術的変遷の年代を明確にするのにも役立った。ピカソが以前の絵画に不満を持っていたために塗り重ねたのか、それとも単に新しいキャンバスを買う余裕がなかったために塗り重ねたのかについては、美術史家の間でも意見が分かれている。[ 4 ]
X線撮影により、ピカソが女性の帽子や肩、子供のバレエシューズの色、道化師の赤い脚など、人物像にいくつかの変更を加えた以前のバージョンの絵画が明らかになった。[ 1 ]
この科学的研究により、ピカソが絵画の複数のバージョンを通して人物像を変えただけでなく、色調も変えていたことが明らかになった。元のイメージは主に青色だったが、ピカソはこれをバラ色に変え、絵に手を加えるにつれて青の色合いが絵具を通して見えるようにした。結果として完成した作品は、くすんだバラ色と青色のパレットで表現され、全体的に悲しみの雰囲気を醸し出している。[ 5 ]
批評家たちは、『サルティンバンクの家族』はピカソとその交友関係を隠した集団肖像画であり、貧しく、独立していて、孤立していることを象徴していると示唆している。この絵は、主催者によって不適切とみなされたため、1910年の第9回ヴェネツィア・ビエンナーレのスペイン・サロンから撤去された。[ 6 ]
絵画に描かれた人物は、特定の人物の象徴であると説明されてきた。ハーレクインはピカソに似ているが、小柄な曲芸師はピカソの友人である詩人のマックス・ジャコブに似ている。眉の深い曲芸師はアンドレ・サルモンの象徴と考えられており、大柄な道化師はギヨーム・アポリネールの象徴であると言われている。ピカソはこれらの友人たちと共にメドラノ・サーカスによく通っていた。[ 7 ]ピーター・リードは著書『ピカソとアポリネール：記憶の固執』の中で、この作品の準備素描から、大柄な道化師は実際にはサーカス団の団長であるエル・ティオ・ペペ・ドン・ホセの象徴であることが明らかになったと述べている。彼は続けて、絵画に描かれた人物は寓意的であり、明確な道筋のないまま新しい世紀に直面するピカソとその仲間たちを象徴していると主張している。[ 8 ]
ハロルド・B・プラムは、絵画中の人物は左から右へ背が低くなる順に配置されており、最も背の高い人物はピカソ自身であると指摘している。彼はこの絵画を、画家の個人的な変容を描いたものだと説明している。「この絵画の中で、彼は人生と芸術における、幼少期後期から成人期への変容を描いている。」[ 9 ]
EA カーミーンは、この絵に描かれた人物とピカソ自身の私生活の状況との関連性を指摘している。ピカソがこの絵を描いていた当時、彼はパートナーのフェルナンド・オリヴィエと暮らしていた。オリヴィエは孤児院から10歳の少女を家に連れて帰り、その後、孤児院に返した。カーミーンは、絵の中でピカソを表すハーレクインが、背後に立っている少女に手を伸ばしていることに気づいた。絵の右側には、オリヴィエを表す孤独な女性が、片手を肩に、もう片方の手を膝の上に置いて、まるで行方不明の赤ん坊を抱いているかのように座っている。カーミーンは、このイメージがピカソの人生におけるこの感情的な出来事のメタファーであると考えている。[ 4 ]
『サルティンバンク一家』は、ピカソが1904年末から1905年末にかけて集中的に取り組んだ素描、絵画、版画、彫刻の連作である「サルティンバンク」サイクルの集大成である。ピカソはメドラノ・サーカスの芸人たちの生活を研究した後、彼らのパフォーマンスの陽気な視点からではなく、静的で憂鬱なイメージの中に孤立した集団として彼らを描くことを選んだ。オルセー美術館はこの絵画を傑作と評し、「ピカソは、通常画面から除外されるショーそのものよりも、彼らの生活の他の側面に関心があり、最もありふれた些細なことと最も崇高な優雅さが融合する、公の世界と私的な世界の中間の空間を捉えている」と述べている。[ 10 ]
この絵画はもともと1908年にパリの実業家アンドレ・レベルがピカソから直接購入し、「ラ・ポー・ド・ルール・コレクション」に収蔵したものでした。6年後、オテル・ドゥルオーで売却され、ミュンヘンのタンハウザー・ギャラリーが入手しました。1914年11月から1915年6月の間に、ヘルタ・ケーニッヒが購入し、その後ニューヨークのバレンタイン・ギャラリーに移りました。1931年にはチェスター・デールに売却され、最終的に1963年に遺贈によりナショナル・ギャラリー・オブ・アートに寄贈されました。[ 11 ]
ボヘミア系オーストリア人の詩人ライナー・マリア・リルケ（1875-1926）は、この絵画に触発されて、10篇のエレジーのうち5篇目を『ドゥイノのエレジー』（1923年）に書きました。リルケはピカソの絵画に描かれた人物を「人間の活動の象徴」として用い、「常に旅をし、定住地を持たない彼らは、儚さを嘆いた私たちよりもさらに儚い存在である」と述べています。さらに、ピカソの絵画では人物が荒涼とした砂漠の風景の中に描かれていますが、リルケは彼らが「擦り切れた絨毯」の上に立っていると表現し、「この理解しがたい世界における人間の究極の孤独と孤立、未知の意志の遊び道具として幼少期から死に至るまでそれぞれの職業に従事する人間…彼らの『純粋すぎるほどの』ものが『空虚すぎるほどの』ものへと変わってしまう前に」と示唆しています。[ 12 ]
イングマール・ベルイマンは、 『第七の封印』のインスピレーションとしてピカソのイメージを挙げた。[ 13 ]